『茶碗の中の宇宙 樂家一子相伝の芸術』、『マルセル・ブロイヤーの家具』国立近代美術館

　竹橋に用事があったので。もともとはマルセル・ブロイヤー展を目的に訪れたのだけど、もうひとつの企画展の方も興味深くせっかくなのでと入ってみた。茶道の世界、ちらとでも覗いたことがなかったし私に解せるはずもないと思っていたけど、おばさまおじさま方に混ざりながらぼうっと眺める。数を見ていると、全くわからないのがわからないなりになかなか面白くなってくるから不思議。最後の当代吉左衛門の作品は特に、非常に気に入ってしまった。展示のタイトルは別の意味でつけているのだろうけど、15代の作品は、見た目が本当に宇宙のよう。作品のタイトルも、なんだかロマンチック。それまでの落ち着き払った作品たちとのギャップもあって、とても素敵だと感じた。

　マルセル・ブロイヤーの展示は、バウハウスを少しでも勉強してからいくべきだったかもしれない。彼もまた、モダニズムの簡素で洗練されたデザインということで、今回の企画展２つはいずれも装飾の抑圧と排除という点で共通している。私の心はデロリとキッチュの美学を掲げ、その時代に生きてさえいなかった19世紀で止まっているので、モダニズムも「侘び寂び」も圧力をかけてくる敵でしかないと思っていたけれど、装飾を排除するということがいかに難しく高度なことであるかということをしみじみと感じてしまった。装飾を剥ぎ取れば物自体の骨格や物質そのものが包み隠されず露わになる。嘘は吐けないし、誤魔化しも一切きかない。その緊張感、無（とはいえ決して本当に「無」なわけではない）の良さを味わえるようになったというのも、おそらくは年齢のせいだろうか…。

　常設展もしっかり見てしまった。近代美術館の絵画たちは会うたびにどこか心が落ち着く。

茶碗の中の宇宙とは、全ての装飾や美しい形を捨て、手捏ねによる成形でさらに土を削ぎ落としながら造形を完成させていった茶碗を用い、その茶碗によって引き起こされる無限の世界、正しく宇宙のように果てしなく広い有機的空間のことと捉えています。

つまり、一服の茶を点てます。相手は、その茶を飲みます。その行為により二人の関係の全てが茶碗の中を巡ります。その茶碗の中を見つめながらの人間の思いは、他に想像もできないほどの大きく深い意味を有し、まさに宇宙と呼ぶべき無限の世界が広がるのです。
今から450年前、長次郎という人物によって創造された樂茶碗は、一子相伝という形態で現在まで続いています。一子相伝とは、技芸や学問などの秘伝や奥義を、自分の子の一人だけに伝えて、他には秘密にして漏らさないことであり、一子は、文字通り実子でなくても代を継ぐ一人の子であり、相伝とは代々伝えることです。
この様な考え方で、長年制作が続けられている樂焼は、長い伝統を有していますが、しかし、それらは伝統という言葉では片付けられない不連続の連続であるといえます。長次郎からはじまり15代を数える各々の代では、当代が「現代」という中で試行錯誤し創作が続いています。
本展では、現代からの視点で初代長次郎はじめ歴代の「今―現代」を見ることにより一子相伝の中の現代性を考察するものです。正しく伝統や伝承ではない不連続の連続によって生み出された樂焼の芸術をご覧いただけます。

「ヴェルサイユ宮殿≪監修≫ マリー・アントワネット展」

 

 

　マリー・アントワネット展。来場者は女性がほぼ95パーセントくらい。展示の感じはおおむね予想通りだなという感じで、決してつまらないわけではないけど、格別に面白いというわけでもない。原寸大のマリー・アントワネットの私室の空間再現コーナーがあったけど、ヴェルサイユを一度見たことがあるというひとにとってこれも再現度という点では限界があるし…。

　どちらかというこの展示自体というよりも、ヒルズ内のレストランでの展示とのコラボスイーツのほうを楽しみにしていたのだけど、気付いたらなぜかしゅらすこで、肉という肉たちをがっつり食べていた。

「レ・パルファム・ジャポネ(Les Parfums Japonais) ―香りの意匠、100年の歩み―」資生堂ギャラリー

「エミール・ガレ」展 サントリー美術館

 

 

  ここ最近で行ったガレの展示のなかでは一番好きだった、という気がする。祖国・異国・植物学・生物学・文学という5つの柱を軸にした構成で、スタンダードではあるけれど、バランスが取れていたのかな。

第一章　ガレと祖国
第二章　ガレと異国
第三章　ガレと植物学
第四章　ガレと生物学
第五章　ガレと文学
エピローグ　ガレの究極


19世紀後半から20世紀初頭にかけて、ヨーロッパ都市部を中心に沸き起こったアール・ヌーヴォー[新しい芸術]。絵画や彫刻、建築に限らず、生活の隅々にまで良質な芸術性を求めたこの様式は、幅広いジャンルの美術工芸品を発展させ、人々の暮らしを豊かに彩りました。こうしたなか、フランス東部ロレーヌ地方の古都ナンシーで、ガラス、陶器、家具において、独自の表現世界を展開したのが、エミール・ガレ（1846-1904）です。

詩的で、幻想的、そして象徴的なガレの作品は、器であり、テーブルであり、形こそ用途を保ちながら、それに留まらない強いメッセージを放っています。見る者の内に深く染みわたり、心震わす彼の芸術性は、愛国心や異国への憧憬、また幼い頃から親しんだ植物学や生物学、文学などへの深い造詣に裏付けられています。

本展は彼の創造性を、その源となった５つの柱から捉え直し、頂点を探る試みです。国内有数を誇るサントリー美術館のガレ・コレクションから選りすぐりのおよそ１００件が一堂に会するとともに、国内の未発表作品約２０件を公開することとなりました。またオルセー美術館の特別協力により、日本初出品となるガラス器や、彼の鋭い洞察力と制作過程を示す重要なデッサン類約４０件をご覧いただける機会です。詩情豊かな光と影、ガレ・ワールドの醍醐味をお楽しみください。

http://www.suntory.co.jp/sma/exhibition/2016_3/

『ガレとドーム展――美しき至高のガラスたち』日本橋高島屋ギャラリー

 

　日本人は本当にガレが好きであることだ。気付いたらガレの展示がどこかで行われている。今回の展示にはガレの初期の作品が多く、これまであまり見たことのない系統のものをじっくり眺められたのは良かった。あとは、いつも通りだけどランプが素敵。ひとつ、白地に真っピンクの彩色が施されて、蛙が魚を御しているかたちの、可愛くも優雅でもなければリアルで生々しいともいえない、ものすごく奇妙な陶器があって、あれはいったいなんだったのだろう…。

19世紀末から20世紀初頭にかけてヨーロッパを中心に花開いた装飾スタイル、アール・ヌーヴォー。その巨匠の一人として讃えられる人物こそ、ヨーロッパ近代工芸史に革命をもたらしたガラス工芸家エミール・ガレその人でした。1846年にフランス東部の自然豊かな古都ナンシーに生まれたガレは、幼い頃より植物や文学に親しみ、彼の芸術の豊かな素養を育みました。若くして体験したパリ万博では異文化に触れ、とりわけ、「ジャポニスム」に強く影響を受け、日本に憧れを抱き続けたと伝えられています。のちに、フランスを代表する工芸家として世界的な名声を博し、1904年に58歳でその生涯を閉じた後もその作品は世界中で愛され続けたのでした。
そして、数々の優れたガラス工芸家たちの中でも、ガレ様式を受け継いだ存在がドーム兄弟でした。彼らの作品はガレの模倣にとどまらず、独自の世界観と造形表現を追求した稀有なものでした。本展では、日本に集うガレとドームの数ある作品から、エミール・ガレ生誕170周年を彩るに相応しい貴重な名品の数々を、未公開作品を交え、総点数約100点で展観いたします。

https://www.takashimaya.co.jp/store/special/event/galle.html　［2016/09/12］

『アール・ヌーヴォーの装飾磁器』展 三井記念美術館

 

 

　アール・ヌーヴォーの、ガラス器であればいくらでもあったが、磁器に着目した展示というのはほとんど聞いたことがなかったかもしれない。それだけでなく、企画者によると今回はあえて、これまでほとんど日本の展覧会では扱われてこなかった、マイセンやロイヤルコペンハーゲンをはじめとする名窯に着目したそう。メーカーの組織力によって、化学者たちの協力を得ながら技法が確立されていった。展示はおよそブランドごとに行われ、その簡単な紹介も付されている。装飾芸術のうちではとりわけ作家性が薄く、工芸のなかでも芸術か実用品か判断の難しいところだと思う。しかしそれぞれが互いに競い合っていたためだろう、技巧を凝らされ美しく洗練された作品たちはずっと眺め続けていることができる。こうしたメーカーが登場し活躍したのは1900年代に入ってからなのか、展覧会タイトルにはアール・ヌーヴォーとあるけれども、出品されているのはほとんど20世紀以降の作品。

　テーマ設定も含め、全体として新しく興味深い点が多い展示だった。

　

 

アール・ヌーヴォーは、欧米で19世紀末から20世紀初頭にかけて全盛を極めた工芸や建築、グラフィック・アートなどの多岐にわたる装飾様式で、流れるような曲線によって構成されていることを特徴とします。

こうした流行は、同時代における陶磁器のデザインにも顕著に現れることとなり、美しく優雅な作品や東洋陶磁に倣った作品が次々と誕生していきます。これは、透明釉の下に多色の模様を施すような釉下彩をはじめとする新しい技術や技法の開発があって、初めて可能になったものといえます。

本展覧会では、アール・ヌーヴォー様式によるヨーロッパ名窯の作品の数々を、国内において総合的に紹介する初の展覧会です。

1889年と1900年のパリ万国博覧会を軸に、釉下彩を伴ったセーヴルやロイヤル・コペンハーゲン、マイセンなどの作品を中心としながら、上絵付や結晶釉などの加飾による作品をまじえ幅広く展示します。さらに、日本との結びつきを示す作品、および関連するリトグラフや素描、書籍を併せた約200点によって多彩な様相を紹介していきます。 

https://www.artagenda.jp/exhibition/detail/437　[2016/09/11]

「西洋更紗 トワル・ド・ジュイ展」Bunkamura ザ・ミュージアム

 

 

　――花に熱狂し、田園に遊ぶ

　

　まさにこのコピーの通り、18世紀フランスの田園のイメージが凝縮されている、といった展示。Bunkamuraらしさの溢れる企画で、鑑賞者も30～50代くらいの女性がほとんど。 

 

　展示を眺めながら思い出してしまったのは、『下妻物語』の冒頭部分。当時の宮廷の人々にとって「田園」という場所は憩いの地だったのだけど、それは日常生活とつながりの深いものだったのか、それともやはりひと夏に一度、のような別荘地的な扱いだったのか。田舎の生活やら、工場の労働姿やら、習俗やら祭りやら、そんなものをモティーフにしてあえて布にプリントしてつかうなんて、実際に田舎に住んでいたならばすることはないだろうから、貴族らにとっては田園は一種の理想郷だったのかもしれない。

　パリをはじめ「都市」という概念が明確化する頃には「田園」は「都市」と対立的に捉えられるようになるし、19世紀の装飾芸術は「田園」が都市からの逃避先となり、それが植物や動物などの自然のモティーフにあらわれる。

　そうした流れを綴った「田園」の文化史、みたいな本があればぜひ読みたい。ないことはなさそうだけども、大方は美術史のなかでの扱いになるのだろうか。

 

　展示品を見る限り、絵柄の特徴としては植物がやはり多いのだが、興味深いのは植物の形態を描くに際しては写実性重視で抽象度は低く、模様にするにしてもあくまで草花のかたちはとどめて散らしているというものがほとんどだったこと。インドからの曼陀羅的な模様の受容とみられるようなものもあって、一概には言えないかもしれないが。

　モリスに大きな影響を及ぼしているとのことだけど、時代が下るにつれてどのようにこうした更紗の模様の流行が変化したかについてはきちんと見なくてはならない。様式化、抽象化の傾向が強まっているのは確かだとは思うけれども。

 

 

　他に気になったモティーフのひとつに、奇妙な鳥の絵があった。ニワトリ、コウノトリ、ツルを合わせた架空の鳥でありそれぞれのスペルを取って「コクシドル」というらしい。グロテスク文様を彷彿とさせる。あとはパイナップルとか、南国風の布もあったり。シノワズリも見受けられたり。

 

　植物や動物の模様以外には、それこそ人間の歴史や風俗、自然、神話にいたるまで（さすがに宗教はなかった？）、ありとあらゆるジャンルの絵があって、例えばアメリカ独立戦争やら、四大陸の寓意像やら、ルソーの墓やら、絵画なのではと思いたくなるような主題（?）をプリントしているものも。こんなものを布にして、いったいどのあたりの層から需要があったのかしら、そしてなにに使うのかしら…。あとはタブローと違って布の模様なので、一枚に複数の時間と場面がランダムに配置されているというのも新鮮だった。異時同図法、ではないけれど。

 

　ただ「ふ～ん可愛い～」で終わるかもと思っていたけど、絵画ではないことがむしろいろいろな点についてあらためて考えさせてくれる展示だった。

　

　ドイツ出身のプリント技師、クリストフ=フィリップ・オーベルカンプ（1738−1815年）によってヴェルサイユ近郊の村、ジュイ=アン=ジョザスの工場で生み出された西洋更紗、トワル・ド・ジュイ（ジュイの布）。
工場が設立された1760年から閉鎖する1843年までにこの工場で生み出されたテキスタイルのデザインは３万点を超えると言われ、人物を配した田園風景のモティーフだけでなく、様々な花が散りばめられた楽しいデザインのコットンプリントが数多く伝えられています。

　トワル・ド・ジュイ美術館の全面協力を得て開催される本展は、西洋更紗トワル・ド・ジュイの世界を日本国内で初めて包括的にご紹介するものです。田園モティーフの源泉をフランドルのタぺストリーにたどり、世界中を熱狂させたインド更紗を併せてご覧いただくことで、オーベルカンプの工場とトワル・ド・ジュイの誕生と発展の物語を紐解き、独自の魅力を発見していただく機会となることでしょう。


○田園モティーフの源泉

中世にその芸術的頂点を向かえたタペストリー。トワル・ド・ジュイを始めとするヨーロッパのテキスタイルに描かれた田園モティーフは、とりわけ１５〜１７世紀に盛んに作られたフレミッシュ・タペストリーの中に花開いています。本展では、トワル・ド・ジュイの代名詞ともなった、人物が田園に遊ぶモティーフの源泉の一つとして、フランドルの美しい野山や田園風景を多色の羊毛で豪華に織り上げたオーデナールデのタペストリーをご紹介します。


○インド更紗への熱狂

トワル・ド・ジュイを始めとする西洋更紗の源泉は、１７世紀後半以降に東インド会社によってもたらされたインド更紗にあります。エキゾチックな花や動物で彩られ、洗濯も可能だったこのコットンプリントは、それまで絹やウールに親しんできたヨーロッパの人々の間に一大ブームを巻き起こし、実用的な布としてドレスや室内装飾に取り入れられました。
日本でも熱狂的に受け入れられたインド更紗は、着物や茶道具の仕服などに仕立てられて大切に受け継がれ、現代でも多くの更紗ファンがその色あせない美しさに魅了され続けています。


○トワル・ド・ジュイ工場の設立

爆発的な更紗の流行が絹やウールなどの伝統的なテキスタイルの生産者の怒りを買い、フランスでは更紗の製作と綿の輸入だけではなく、着用すら1686年から73年もの間禁止されてしまいます。ついに、禁止令が解かれんとする頃、パリの捺染工場からオーベルカンプのいたスイスに優れた捺染技術者を求める使いが派遣されました。弱冠20歳のオーベルカンプは誘いを受けてパリに赴き、1760年にヴェルサイユ近くのジュイ=アン=ジョザスの地に自らの小さな捺染工場を設立。これがのちに最も成功した西洋更紗となるトワル・ド・ジュイの工場の始まりでした。


○木版プリントに咲いた花園

木版プリントによるテキスタイルは、インド更紗のエッセンスを引き継ぐエキゾチックで様式化されたデザインから始まり、次第にフランス流の花模様を発展させ、3万種を超えるデザインが生み出されました。バラ、ライラック、忘れな草など、身近な花々が西洋の装飾文様とともに自然界の姿そのままに咲き乱れ、インド更紗とは趣の異なるフランス流の花園が展開したのです。なかでも、ぎっしりと生い茂る草花が描きこまれた《グッド・ハーブス（よく売れた「素敵な草花」の意）》は最も人気のあったデザインの一つで、様々なヴァリエーションが幾年にも渡って製作されました。


○銅版プリントに広がる田園風景

1770年からオーベルカンプは銅版を用いた技術を採用し、人物を配した風景を単一の色調で染め上げる銅版プリントのテキスタイルに力を入れていきます。田園風景、神話や文学、歴史、アレゴリーなど、多岐に渡る主題で数々のデザインを銅版プリントによって製作。動物画家のジャン=バティスト・ユエをその筆頭デザイナーに採用し、優美な物腰の人物像が動物たちとともに田園の中に遊ぶ、洗練されたデザインのテキスタイルを作り上げていきます。好景気にも後押しされ、事業は順調に成長して工場は大規模化。その評判は宮廷にも届くところとなり、1783年にはルイ16世によってオーベルカンプの工場は「王立」の称号を与えられました。


○受け継がれる西洋更紗の魅力

フランス革命後には、オーベルカンプの工場も、徐々に衰退の道をたどることになります。1815年にオーベルカンプが死去して30年もたたないうちに工場は閉鎖しています。しかし、トワル・ド・ジュイを始めとする西洋更紗の魅力は、ウィリアム・モリスやラウル・デュフィなど、後世のアーティストたちに影響を与えただけでなく、今日でも優雅で楽しいフランスのデザインの一つとして様々な形で親しまれています。

http://www.bunkamura.co.jp/museum/exhibition/16_toiledejouy/　［2016/07/03］

「没後100年 宮川香山」サントリー美術館

「没後100年　宮川香山」サントリー美術館
2016年2月24日（水）～4月17日（日）

 

 

　「高浮彫」の技法で知られる宮川香山。一歩間違えれば「悪趣味」にもなり兼ねない過剰なまでの装飾性の、繊細さと迫力とに圧倒される。

 

　このような陶磁器が日本で制作されていたということをこの展示に足を運ぶまでは全く知らなかった。香山の作品が19世紀末の西欧の工芸界においてはどのように受け入れられ、評価されていたのかという点はかなり重要な問題だと思うけれど、何か良い研究書はあるだろうか。今ある宮川香山についての本は、調べる限りでは展覧会図録か作品集くらい。

 

　『美術手帖』の2016年3月号では「超絶技巧」というタイトルで香山が紹介されていた（“美しい畸形”！）。明治工芸というのは日本ではあまり研究が行われず、2000年代以降再評価が進んでいるという。

　ガレをはじめとして、同時代の西欧の工芸品についてはこれほど愛好者も多いというのに、またジャポニスム研究も盛んに行われているにもかかわらず、日本国内で作られていた陶芸には注目が集められていなかったという事実はいささか奇妙であるように思われる。私としては今回の展示を見て、ガレよりも香山のほうをずっと気に入ってしまったけど。

 

明治時代から大正時代を代表する陶芸家・宮川香山(みやがわこうざん)(虎之助・１８４２～１９１６)は、天保１３年(１８４２)、京都の真葛ヶ原(まくずがはら)（現在の京都市東山区円山公園一帯）の陶工の家に生まれました。幼少の頃より父・長造(ちょうぞう・１７９７～１８６０)から陶器や磁器の製法を学び、万延元年(１８６０)に家督を継ぎます。
明治３年(１８７０)、転機が訪れます。香山は京都を離れ、文明開化の町・横浜へと向かいます。当時、明治政府は近代産業の育成に力を入れ、外貨獲得の手段の一つとして陶磁器をはじめ、様々な工芸品を輸出することを奨励していました。香山は、欧米諸国の趣向に応える新たな美を創り出すことに尽力し、中でも、陶器の表面を写実的な浮彫や造形物で装飾する「高浮彫(たかうきぼり)」と呼ばれる新しい表現技法によって、日本陶磁における装飾の概念を覆すような、精緻で独創的な世界を作り出していきました。
明治１０年代半ば頃から、香山は新たに釉薬と釉下彩の研究に取り組み、中国清朝の磁器にならった様々な技法の作品を作り始め、制作の主力を陶器から磁器に切り替えていきました。そして明治２９年(１８９６)、香山は、陶芸の分野では二人目となる帝室技藝員(ていしつぎげいいん)に任命されます。香山が生み出した陶磁器は、眞葛焼(まくずやき)として世界中から絶賛を浴び、人気を博しました。イギリスの大英博物館をはじめ世界的に著名な美術館が香山の作品を収蔵していることからも、その人気の高さがうかがえます。
本展では、約５０年にわたって、日本に少なかった香山の作品を世界中から探し出しつつ、香山研究を続けてこられた田邊哲人(たなべてつんど)氏のコレクションを中心に、平成２８年(２０１６)に没後１００年を迎える宮川香山(初代)の全貌を紹介し、超絶技巧のやきものの魅力に迫ります。高浮彫作品の目くるめく迫力、そして釉下彩や青磁などの吸い込まれそうなみずみずしさと優美な品格を、一挙にご堪能いただけるまたとない機会です。 

http://www.suntory.co.jp/sma/exhibition/2016_1/　[2016/05/06]

「REVALUE NIPPON PROJECT 中田英寿が出会った日本工芸」Panasonic汐留ミュージアム

「REVALUE NIPPON PROJECT 中田英寿が出会った日本工芸」
Revalue Nippon Project: Hidetoshi Nakata’s Favorite Japanese KOGEI
2016年4月9日（土）－6月5日（日）

 

 

 中田英寿がこんなプロジェクトに携わっているとは知らなんだ。

「日本酒セラー開発プロジェクト」とかいうのもやっているらしい。

元サッカー日本代表である中田英寿氏が現役引退後続けている活動のひとつに「REVALUE NIPPON PROJECT」があります。この活動は、日本が連綿と受け継いできた伝統的な工芸、文化や技術の価値や可能性を再発見し、その魅力をより多くの人に知ってもらう 「きっかけ」を創出することで、日本文化の継承・発展を促すことを目的としています。このプロジェクトでは、毎年「陶磁器」「和紙」「竹」「型紙」「漆」といったひとつの素材をテーマに選び、批評家などの専門家を中心としたアドバイザリーボードが、工芸家およびアーティストなどのコラボレーターを選定し、各チームが自由な発想で作品を制作します。さらにこの制作を通じて工芸の魅力を広く伝えるために中田氏自らも広報活動を行い、この作品や人との出会いは将来の日本のラグジュアリーとなるべきものだと語っています。日本の工芸作品は私たちには身近すぎ、その価値や魅力について再考することが難しいのかもしれません。産業分野のものづくりにも、工芸の技術や美しさは深く関係し必要とされているにもかかわらず、工芸家やその作品の認知度は決して高いとは言えず、後継者不足で悩む作り手が多く存在している現状があります。本展では、日本工芸の魅力を再発見し、「ものづくりの心」を後世に伝えるべく中田氏のプロジェクトで生まれた作品を展示します。展覧会場では、新たな刺激を受けた工芸家たちの技術力の高さとその作品の美しさを改めてご覧いただけることでしょう。